展覽：幾何：趙大鈞繪畫實踐的基本線索
展期：2024年7月16日-10月16日
地點：清華大學藝術博物館
要看懂趙大鈞（1937-2022）的畫并不容易，他的繪畫實踐似乎并不能以任何現有的坐標系去判斷。這位來自魯迅美術學院的中國美術先行者，在美術教學中默默耕耘半生，但今天的美術史研究鮮有提及他的名字，遑論他藝術上那些起始于時代精神又超越于時代精神的思考與成就。先行者被遺忘，不僅是歷史的遺憾，也使我們錯過了20世紀下半葉中國藝術中一項具有強烈反思性質的工作。盡管有著巨大的時代限制，趙大鈞先生仍然堅持不懈地開拓現實主義藝術的新方向。他做出的超越一時一地的努力，為我們今天理解中國藝術身處的情境提供了可貴的參照。
癡迷于色彩和造型關系
趙大鈞先生生于漢口，祖籍山東膠州。他的青少年時期是在戰亂和遷徙中度過的。輾轉到天津時，正值新中國成立前夕，他猶記得“戰火平靜后的清晨，看到無數戴皮帽子的解放軍在路邊休息，大鐵鍋燒著熱水，烙油餅的香味四處飄著，遠處天津商務印書館大火濃煙升入高空”這樣的景象。新中國成立后他隨全家遷居沈陽，1954年考入東北美專附屬中學，1958年考入魯迅美術學院油畫系，從此開始美術之路。附中至本科的八年是他一生中的重要階段，他在耄耋之年仍然記得附中時自己對于色彩和造型關系的癡迷——這也是他在藝術生涯晚期開始明確自己的“幾何”之路的前提。在“魯美”學習期間經常要去工廠，鞍鋼、沈陽鐵西區是他每每駐足的地方。那種傳統重工業的集體生產和生活景象深刻影響了他的藝術人生——他的畢業創作《軋鋼工人》（1962年）就是以此為題材創作的。這張畫強調畫面結構的鮮明和表達力度的強烈，也為他后來在諸如《冶煉廠》（2000年）等作品中進行的畫面實驗奠定了基礎。
1962年，趙大鈞創作了《幾何形體》（1962年）。這幅看起來普通的習作，卻為他之后的藝術人生奠定了基調。他的繪畫語言中有一種對畫面中“雕塑”意味的關注，開創性地將強有力的線條、結構和幾何塊面結合起來塑造形體和物象，并使之與他獨具特色的色彩運用發生對話。縱觀趙大鈞的藝術之路，經歷了從附中到雕塑系、油畫系的長時間訓練，受到萬今聲、孫常非、朱鳴崗、李壽如等今天并不為人所知的老先生們的教誨。此外，全顯光、魏連福、曲乃述、宋惠民、許榮初等不同美術訓練背景的同代人或者師兄弟，也給了他很大啟發。到了20世紀70年代末，趙大鈞開始逐漸形成自己的繪畫觀念。
“幾何”成畫家自處的空間
在他漫長的藝術生涯中，“幾何”所扮演的首要角色是突破教條的學院繪畫。上世紀70年代末，正值“傷痕美術”大流行，全新時代的氣息已在醞釀。趙大鈞在此時大膽地嘗試從素描上打破舊有的現實主義繪畫原則的束縛，展開具有前瞻意義的實驗。《力士》（1978年）、《魯迅先生像》（1978年）、《摩西》（1978年）、《被縛的奴隸》（1978年）、《擲鐵餅者》（1979年）等一批影響了之后幾代畫家的素描作品誕生了。這些此前從未公開展出過的作品都沒有遵從所謂的“全因素”素描原則，用不規則的幾何形態的塊面塑造形體，兼具連續性和不連續性的明暗變化賦予了形體一種前所未有的本土風格。仔細看這些畫，仿佛有空氣在形體中穿過——它們并不是傳統意義上的寫實，形象在這里變成了鮮活的、可以和觀眾對話的存在。
正在清華大學藝術博物館呈現的展覽“幾何：趙大鈞繪畫實踐的基本線索”中，這批素描奠定了展覽的底色。展覽給出了兩個觀看趙大鈞漫長藝術生涯的線索：在以《力士》為起點的線索中，趙大鈞先生著力探索幾何的視覺內涵，聚焦于深入的造型、筆觸與色彩分析；而在《魯迅先生像》為起點的線索中，趙大鈞先生致力于將“幾何”拓展到更立體的領域，尋找一種涌動的，思想、情感與藝術立場互相激活的狀態。“幾何”變成了一個超越畫面的場所，一個讓藝術家在時代變幻中得以自處的空間。
現代主義與現實主義的融合
實際上，20世紀八九十年代，趙大鈞先生把大部分精力放在了教學改革和教學實踐上，這也在某種程度上影響了其作品的傳播和接受。盡管如此，他也創作了諸如《漢柏》系列、《女人體》系列，以及《老美專》《冶煉廠》等諸多極具個人風格的作品。這些作品受到了立體主義和表現主義的影響，也回響著強烈的本土現實主義的余聲。
《老美專》是其中的代表作。從色彩上說，“臟”顏色這一具有中國現實主義傳承的色彩運用，在這一作品中成為塑造畫面緊張感的一個重要因素；從結構上講，整個畫面似乎從邊緣到中心被擠壓著，不規則的三角形被一種動能帶動著奔向畫面的中心，把空間深度推逼著趨于平面。畫面是動態的、不連續的、隨時可能坍縮的，但同時又是完整而充滿力量的。“老美專”（即魯迅美術學院的前身東北美術專科學校）所在的樓群是趙大鈞先生自幼學畫的場所，他的青年時代和前半生的教學和創作，實際上都與這一場所有關。這里不僅見證了他的人生，也是他經歷、實踐和思考現實主義傳統與美術語言的源發地。因此，情感充溢在這幅畫中，或者說，對于“老美專”的情感與他一生所致力的反思自身美術傳統的實踐理性，在這幅畫中融匯在一起。
在趙大鈞晚年的筆記和自述中，他將自己的繪畫稱為“我的現代主義”。這一“現代主義”自然不是純粹拿來的，不是風格上的模仿，而是充滿了一個藝術家對于本土“現實主義”自我反思、開拓與重塑，使得這兩個看起來對立的領域融合在一起。
晚期的“幾何即人生”
除此之外，趙大鈞先生2008年開始的晚期創作尤為值得一提。他沒有在藝術生涯的終結處退行到藝術的天真和自我保護之中，而仍然嘗試進行思想和實踐的突破。此時，他又一次回望自己過去的創作。
這次的回望不僅僅是寬泛意義上的自我反思，而是逼迫自己從藝術理念的層面再次整合自己20世紀下半葉以來所積累的視覺和繪畫經驗。《大寒》（2021）等一系列此時期的代表作品中，“現代主義”和“現實主義”都變成了影子，仿佛融化進了他對于藝術人生的思考，而不是以某種風格、某種形式出現。他近乎偏執地只運用短促、斜逆的筆觸和簡單的色彩組合進行創作。畫面中沒有具體的形象，但同時又充滿了種種由色彩構造的敘事張力。這是他最后的“幾何”畫面，一個隱匿又開放的領域，或者用趙大鈞先生自己的話說，“幾何即人生”：在那里，抵抗的力量、精確的秩序與解放情感和思想的愿望一起，形成他藝術生命的最后交響。
展覽：幾何：趙大鈞繪畫實踐的基本線索
展期：2024年7月16日-10月16日
地點：清華大學藝術博物館
要看懂趙大鈞（1937-2022）的畫并不容易，他的繪畫實踐似乎并不能以任何現有的坐標系去判斷。這位來自魯迅美術學院的中國美術先行者，在美術教學中默默耕耘半生，但今天的美術史研究鮮有提及他的名字，遑論他藝術上那些起始于時代精神又超越于時代精神的思考與成就。先行者被遺忘，不僅是歷史的遺憾，也使我們錯過了20世紀下半葉中國藝術中一項具有強烈反思性質的工作。盡管有著巨大的時代限制，趙大鈞先生仍然堅持不懈地開拓現實主義藝術的新方向。他做出的超越一時一地的努力，為我們今天理解中國藝術身處的情境提供了可貴的參照。
癡迷于色彩和造型關系
趙大鈞先生生于漢口，祖籍山東膠州。他的青少年時期是在戰亂和遷徙中度過的。輾轉到天津時，正值新中國成立前夕，他猶記得“戰火平靜后的清晨，看到無數戴皮帽子的解放軍在路邊休息，大鐵鍋燒著熱水，烙油餅的香味四處飄著，遠處天津商務印書館大火濃煙升入高空”這樣的景象。新中國成立后他隨全家遷居沈陽，1954年考入東北美專附屬中學，1958年考入魯迅美術學院油畫系，從此開始美術之路。附中至本科的八年是他一生中的重要階段，他在耄耋之年仍然記得附中時自己對于色彩和造型關系的癡迷——這也是他在藝術生涯晚期開始明確自己的“幾何”之路的前提。在“魯美”學習期間經常要去工廠，鞍鋼、沈陽鐵西區是他每每駐足的地方。那種傳統重工業的集體生產和生活景象深刻影響了他的藝術人生——他的畢業創作《軋鋼工人》（1962年）就是以此為題材創作的。這張畫強調畫面結構的鮮明和表達力度的強烈，也為他后來在諸如《冶煉廠》（2000年）等作品中進行的畫面實驗奠定了基礎。
1962年，趙大鈞創作了《幾何形體》（1962年）。這幅看起來普通的習作，卻為他之后的藝術人生奠定了基調。他的繪畫語言中有一種對畫面中“雕塑”意味的關注，開創性地將強有力的線條、結構和幾何塊面結合起來塑造形體和物象，并使之與他獨具特色的色彩運用發生對話。縱觀趙大鈞的藝術之路，經歷了從附中到雕塑系、油畫系的長時間訓練，受到萬今聲、孫常非、朱鳴崗、李壽如等今天并不為人所知的老先生們的教誨。此外，全顯光、魏連福、曲乃述、宋惠民、許榮初等不同美術訓練背景的同代人或者師兄弟，也給了他很大啟發。到了20世紀70年代末，趙大鈞開始逐漸形成自己的繪畫觀念。
“幾何”成畫家自處的空間
在他漫長的藝術生涯中，“幾何”所扮演的首要角色是突破教條的學院繪畫。上世紀70年代末，正值“傷痕美術”大流行，全新時代的氣息已在醞釀。趙大鈞在此時大膽地嘗試從素描上打破舊有的現實主義繪畫原則的束縛，展開具有前瞻意義的實驗。《力士》（1978年）、《魯迅先生像》（1978年）、《摩西》（1978年）、《被縛的奴隸》（1978年）、《擲鐵餅者》（1979年）等一批影響了之后幾代畫家的素描作品誕生了。這些此前從未公開展出過的作品都沒有遵從所謂的“全因素”素描原則，用不規則的幾何形態的塊面塑造形體，兼具連續性和不連續性的明暗變化賦予了形體一種前所未有的本土風格。仔細看這些畫，仿佛有空氣在形體中穿過——它們并不是傳統意義上的寫實，形象在這里變成了鮮活的、可以和觀眾對話的存在。
正在清華大學藝術博物館呈現的展覽“幾何：趙大鈞繪畫實踐的基本線索”中，這批素描奠定了展覽的底色。展覽給出了兩個觀看趙大鈞漫長藝術生涯的線索：在以《力士》為起點的線索中，趙大鈞先生著力探索幾何的視覺內涵，聚焦于深入的造型、筆觸與色彩分析；而在《魯迅先生像》為起點的線索中，趙大鈞先生致力于將“幾何”拓展到更立體的領域，尋找一種涌動的，思想、情感與藝術立場互相激活的狀態。“幾何”變成了一個超越畫面的場所，一個讓藝術家在時代變幻中得以自處的空間。
現代主義與現實主義的融合
實際上，20世紀八九十年代，趙大鈞先生把大部分精力放在了教學改革和教學實踐上，這也在某種程度上影響了其作品的傳播和接受。盡管如此，他也創作了諸如《漢柏》系列、《女人體》系列，以及《老美專》《冶煉廠》等諸多極具個人風格的作品。這些作品受到了立體主義和表現主義的影響，也回響著強烈的本土現實主義的余聲。
《老美專》是其中的代表作。從色彩上說，“臟”顏色這一具有中國現實主義傳承的色彩運用，在這一作品中成為塑造畫面緊張感的一個重要因素；從結構上講，整個畫面似乎從邊緣到中心被擠壓著，不規則的三角形被一種動能帶動著奔向畫面的中心，把空間深度推逼著趨于平面。畫面是動態的、不連續的、隨時可能坍縮的，但同時又是完整而充滿力量的。“老美專”（即魯迅美術學院的前身東北美術專科學校）所在的樓群是趙大鈞先生自幼學畫的場所，他的青年時代和前半生的教學和創作，實際上都與這一場所有關。這里不僅見證了他的人生，也是他經歷、實踐和思考現實主義傳統與美術語言的源發地。因此，情感充溢在這幅畫中，或者說，對于“老美專”的情感與他一生所致力的反思自身美術傳統的實踐理性，在這幅畫中融匯在一起。
在趙大鈞晚年的筆記和自述中，他將自己的繪畫稱為“我的現代主義”。這一“現代主義”自然不是純粹拿來的，不是風格上的模仿，而是充滿了一個藝術家對于本土“現實主義”自我反思、開拓與重塑，使得這兩個看起來對立的領域融合在一起。
晚期的“幾何即人生”
除此之外，趙大鈞先生2008年開始的晚期創作尤為值得一提。他沒有在藝術生涯的終結處退行到藝術的天真和自我保護之中，而仍然嘗試進行思想和實踐的突破。此時，他又一次回望自己過去的創作。
這次的回望不僅僅是寬泛意義上的自我反思，而是逼迫自己從藝術理念的層面再次整合自己20世紀下半葉以來所積累的視覺和繪畫經驗。《大寒》（2021）等一系列此時期的代表作品中，“現代主義”和“現實主義”都變成了影子，仿佛融化進了他對于藝術人生的思考，而不是以某種風格、某種形式出現。他近乎偏執地只運用短促、斜逆的筆觸和簡單的色彩組合進行創作。畫面中沒有具體的形象，但同時又充滿了種種由色彩構造的敘事張力。這是他最后的“幾何”畫面，一個隱匿又開放的領域，或者用趙大鈞先生自己的話說，“幾何即人生”：在那里，抵抗的力量、精確的秩序與解放情感和思想的愿望一起，形成他藝術生命的最后交響。
本文鏈接：趙大鈞：幾何即人生http://m.sq15.cn/show-6-9811-0.html
聲明：本網站為非營利性網站，本網頁內容由互聯網博主自發貢獻，不代表本站觀點，本站不承擔任何法律責任。天上不會到餡餅，請大家謹防詐騙！若有侵權等問題請及時與本網聯系，我們將在第一時間刪除處理。
上一篇： 江西進賢格蘭云天國際酒店項目正式簽約
下一篇： 古裝探案劇 從歷史化到去歷史化到再歷史化