近日，戲劇光影——2024北京國際高清舞臺藝術影像周在京舉行。活動為期兩周，以20場高清舞臺影像現場放映，提升這一藝術形態在觀眾中的知曉度和接受度；同時邀請中、英、美、韓等國家的一線從業者，開展多場演講和對談，梳理和分析舞臺藝術影像的藝術價值和制作傳播特質，匯聚行業前沿交流和反思。
回望2015年的北京，《人鼠之間》《李爾王》《科利奧蘭納斯》《弗蘭肯斯坦》等NTLive（英國國家劇院現場放映）作品組團亮相。隨后《深夜小狗離奇事件》《天窗》《女王召見》《奧賽羅》《哈姆雷特》等一系列佳作接踵而至。NTLive一時間成為戲劇觀眾的新寵——不僅有世界水準的主創和演員，新近原創和經典重排的劇作，還有不斷翻新的劇場理念和以影像藝術手段達成的仿佛走進現場看演出的真實感。
自此，以奧哲維文化等為代表的國內演藝機構，引進了更多高清舞臺藝術影像現場放映作品（以下簡稱現場放映），涵蓋英、法、德、俄、美、日、荷等多個國家的當代優秀舞臺作品，放映地點也從北京逐漸拓展到全國更多城市。
與此同時，國內的舞臺藝術影像，在《CCTV空中劇院》等戲曲錄制和播出的傳統積累之上，也有了新的發展。出現的作品如國家大劇院的自制和邀請劇目、北京人民藝術劇院和上海話劇藝術中心的話劇作品、各地方戲曲院團的戲曲劇目等，也包括本次影像周放映的文獻音樂劇場《輔德里》和音樂劇《在遠方》。
現場放映的興起，為戲劇觀眾和專業人士提供了更及時、便捷、廣闊的觀劇渠道和體驗，成為舞臺藝術傳播重要而獨特的方式之一。這一看似熟悉又新鮮的劇場藝術“物種”迅速鋪展的同時，也和其他新生事物一樣，曾面臨一些擔憂、質疑和爭議：現場放映與劇場演出是否會產生沖突？是否會給劇場演出帶來負面影響？當時的疑慮，必然亦正常，但隨著其十余年的發展，實踐給出了答案。
拍下真實的現場
還原現場的真實
首先，要從厘清現場放映的概念說起。
現場放映不同于以往的舞臺藝術電影。舞臺藝術類電影隨同電影的產生很快出現，比如中國第一部電影《定軍山》。電影史上，中外舞臺藝術電影不乏佳作，但其屬性主要遵循著電影創作的基本規律。除了一些以留存資料為目的的舞臺影像記錄，更多的是在攝影棚內模擬舞臺并使之電影場景化——以舞臺為表達元素，舞臺元素服從于電影需要，甚至為此改動原劇，以電影化視聽和節奏進行拍攝、剪輯。有的更是將舞臺想象具象化，加入大量虛擬動畫特效處理，追求意境的圖解。即便是純粹的舞臺影像紀錄片，也是以電影的藝術視角去展現舞臺作品，舞臺元素服從于拍攝安排和拍攝團隊的藝術理解，在鏡頭可能到達的任意角度自由透射，并且不需要保持被拍攝作品的現場整一性，不需要“一遍過”。
現場放映發展到今天，已經成為相對獨立的藝術品類。影視是它的存在形式，核心審美和內容則歸屬于劇場。它追求最大程度的真實還原，一切目的在于保持、凸顯和豐富劇目的現場性，尊重和彰顯舞臺藝術的審美。拍攝工作在劇場實地實時完成，呈現同一連續時空的舞臺表演，努力再現現場的真實環境、真實聽視覺效果和觀眾的即時反應。拍攝角度是現場觀眾的視角，盡管采用了近景和特寫等鏡頭手法。同時，不為影像需要而改變作品的內容、形態和節奏，后期不會采用影響舞臺現場感的手段，比如虛擬場景、瞬時空間切換、高速或慢速動作、回放和聲效渲染等。相反，使用后期技術的目的，是為減少影視手段介入帶來的某些變形，體現更細膩真實的現場感。數字技術的介入也同樣如此，如全景聲完全不是為了擬造電影的情境，而是盡量還原劇院的聲場。
當然，成熟的舞臺影像制作，在直播和一次性錄制完成后，為保證精準呈現，減少瑕疵，也會進行二次或多次錄制，但錄制的對象仍然是既定發生的真實的舞臺演出。
這樣做的意義，就是為了讓觀眾如親身“在場”——從進場落座到場燈熄滅幕啟開演，再到中場休息直至謝幕，觀演環節十分完整，氛圍和感受幾乎就是劇院現場的原汁原味，只是舞臺換成了大銀幕，現場放映的觀眾如同演出現場觀眾的鄰座。
現場真實，還有重要的一點是觀眾真實。被拍攝進影像的觀眾，是“正常”和隨機的。劇場會將拍攝安排預先告知觀眾，但不會為了錄播而特意篩選、組織觀眾捧場，不會有提前安排的互動效果，不會用過往素材“打補丁”或張冠李戴。因為只有觀眾真實，才能保存劇場藝術最為珍貴的觀演關系的真實，即觀演相互交融、彼此刺激推動的真實。
拍攝要懂得舞臺
但不能介入舞臺
但是，現場放映不是簡單的現場直播或錄播?，F場放映的影像保持舞臺的現場性，并不是兩種藝術簡單的組合拼貼。拍攝團隊要有清晰的劇場概念邏輯和審美認知，以及相輔相成的影視表達和操控解決辦法來支持；要掌握并尊重不同劇場類別和風格的屬性和特色；對于具體劇目，從編劇、導演到演員、舞美，甚至所在劇場和舞臺的構造規制，都要熟悉。除了觀演視角外，情節和人物行動的急緩，演員的形體、表情細節乃至呼吸，人物關系的對應和變化，矛盾與氣氛的張弛……現場觀眾所應看到的一切舞臺要素都要精確反映，必須讓銀幕節奏與舞臺節奏同頻合拍。
比如，我們過往看到成功的戲劇放映作品，從預案擬定到后期工作，都是舞臺導演、舞美等直接介入錄制的全過程，通過與影視導演、攝像、剪輯的充分討論，聯手落實到每個細節上。先有戲劇的消化理解，再談全方位影像呈現，從而保證拍攝導演個人的解讀視角、戲劇導演呈現的第一視角和觀眾觀演的視角達成高度統一，相生相長，揚長避短。
可見，現場放映的成功基礎，是劇目和攝制方達成雙向優選，適配的才是最好的。優秀的影視團隊，未必能產出優秀的現場放映作品；如不能熟諳劇場藝術的規律，不懂得劇目和主創、演員的特點，不能先化身為合格的劇場觀眾，即便擁有先進的設備和技術，也是枉然。
在以往的一些實踐中，有的舞臺藝術片提前錄音而后進行攝制合成，可以理解這么做的出發點是技術力不能及又期待達到完美效果；還有類似于戲曲音配像這樣出于歷史原因采取的珍貴資料的保存整理措施。但這些與現場放映顯然不在同一范疇。
鏡頭限定了舞臺
也延伸了舞臺
現場放映如此依存于劇場，致力于最大限度地還原劇場，但其實二者還是有差異的。必須承認，影視畫面的限定性，多少框定了觀演的自由度，觀眾在某個瞬間只能看到拍攝到的這一個畫面和角度；但同樣因為影視畫面的聚焦，也能帶來親身觀賞時得不到的新體驗。
視角即思路。拍攝方案（腳本）及拍攝主創的主觀意識，必然會帶來對舞臺作品的差異化解讀。多機位的拍攝，視角宛如坐在劇場的不同位置甚至現場觀眾不可能到達的特殊位置上；中近景、特寫的使用，放大了劇場觀演時不可能觀察到的細節。多維景象納入眼簾，給現場放映帶來了賞析延伸——有即時的引導，還有“養成性”的暗示，直接或潛移默化地影響受眾的觀演習慣和能力。
這方面，初級觀眾（觀演體驗不多者）的受益往往更大。比如戲曲類作品，現場放映通過不斷強調人物在特定情節和情緒中的程式化動作，提示觀眾注意和熟悉內容與形式的關聯。再如，對于人物行動和矛盾沖突中從起點到落點的線索，以及對手角色的相互反應和群演映襯，鏡頭畫面都直接給出交代。這對于觀眾來說是很好的啟發，在不斷累積中，欣賞水平也許就可以得到培養和成長?，F場放映的這一藝術普及的優勢，加之經典劇目自身的品質示范，無疑特別適合做劇場藝術啟蒙的生動教材，是藝術進校園、進社區性價比極高的優選。
顯然，現場放映不僅滿足著既有劇場觀眾的需求，同時還吸引了更廣泛的受眾，間接培育著劇場藝術市場。它比駐場和巡回演出更便捷、成本更低，又規避了現場演出必須受諸多客觀條件限制的短板，讓更多人一窺更多元的劇場藝術之美。統計數據顯示，NTLive自2009年開啟以來，有近12％的觀映者轉化為長期的劇場觀眾，為世界戲劇普及與市場開拓做出了貢獻。
有人認為，劇場觀眾群體規模原本就不大，現場放映可能會造成觀眾流失。這種擔心有一定的道理，但劇場藝術區別于影視作品的一大特性，是觀眾大都不會因劇透而放棄觀劇，表演、導演的呈現方式和水準才是大家感興趣的焦點，優秀劇目往往會“愈演愈烈”。從實踐結果看，現場放映反而起到了宣傳劇目的積極作用。當然，個別劇目如有對劇透的擔心，可根據自身屬性做出是否制作影像的選擇即可。
看見不同的文化
留下最佳的呈現
數字時代的傳播速率拉近了全世界的時空距離，讓世界文化藝術的交流發展更加同步。現場放映應時而生。近幾年，無論是藝術的本土傳播，還是中國作品“走出去”、國際作品“引進來”，現場放映都及時跟進，發揮出比劇目本體傳播更強的時間和成本優勢。
及時快捷地掌握文化動態，全方位地了解世界藝術發展現狀，不僅是我們站上潮頭，推廣文化贏得市場的需要，也是藝術教育、學術研究和藝術守正創新的需要。藝術能生動鮮活地表達當下人們對世界的認知和探索，現場放映把國內外的佳作所代表的最新思維和理念及時落于具象，促進不同文化相互看見和相互理解。比如，文獻音樂劇場《輔德里》闡釋當代中國知識分子對共產主義信仰的理解，獨角戲《初步舉證》對位當下女性主義的思考和批判，《雷曼兄弟三部曲》展示金融風暴下人性的冷酷扭曲，莎翁經典《第十二夜》《威尼斯商人》的新解傳遞如何賦予傳統以當代警示，時事佳作《女王召見》《致英格蘭》鋪染英國獨特的歷史文化魅力，同時也是對普遍人性的書寫。
就劇場文化本身而言，現場放映還實現了優質劇場演出資料的積累。舞 臺演出不能保證每一個版本、每一場演出都是最佳陣容的最佳呈現，但現場放映卻可以將“最佳”存留。這份存留，對當下和未來的觀眾有益，對創作者、表演者和后來者有益，對劇場史的學術研究有益。據說，曾有戲曲大師在談到電影拍攝時，表達過因為沒有觀眾在場只面對鏡頭的不適應，找不到舞臺表演的感覺。而舞臺藝術影像放映的拍攝方式，很大程度上能彌補這樣的缺憾。
除了劇目本身蘊含的文化價值，現場放映中拍攝下的觀眾良好的觀演習慣和欣賞氛圍，也是一種文化的感染。同時，觀眾通過創作者的藝術理念和手段，解讀出社會文化背景、審美和文化消費走向，能實時達成對異域的感性體察和理性了解；藝術從業者可以通過較小的市場投放得到反饋，了解分析不同地域的受眾對不同形式和內容作品的接受度，有利于做出更準確的決策，防止盲目投入，減少文化盲動。
從熱愛出發
由市場檢驗
目前得到國內外觀眾擁躉的現場放映項目和作品，都做到了內容優秀、切中觀眾品位，以及觀看方式及時便捷?，F場放映未來的健康發展與前景，正在于保持高品質、現場性和符合藝術邏輯的傳播模式。這需要有藝術公心為支撐，也需要市場運作的能力，最終通過觀眾和市場檢驗成效。
從創作端來看，現場放映的出現和興起，建構在對劇場藝術的推崇、信任和熱愛上。這次參加北京國際高清舞臺藝術影像周的各國從業者，多位都表達了自己投身舞臺影像這份事業的緣起，是對舞臺藝術的熱愛或者是被某個作品深深觸動，從此認定要以這種方式傳播戲劇——“把更多好戲帶給更多人看到”。
此外，現場放映作品要體現出不可替代的價值，必須在藝術品質與潮流上領先，要充分考慮市場性、稀缺性和觀眾期待。
藝術傳播與廣告宣傳截然不同，雖然現場放映能起到劇目推廣的作用，但兩者的動機、目的和意義都大相徑庭。有的從業者看到現場放映的優勢，便急于將自己的作品投放其中，若缺少對現場放映核心價值的理解，不考慮受眾需求和市場反饋，即使模仿了樣態，實質上仍無法與現場放映的公共價值、藝術價值相提并論，且極易損傷現場放映這一藝術形態的整體口碑。這個道理，如同某些作品在劇場中一直上演，但不靠觀眾自覺購票贏得票房，而是贈票組織觀眾撐場面——它一定不是真正的劇場藝術，而是借助于劇場形式開展的其他活動。
當下AI技術風起云涌，也給現場放映的未來帶來更多遐想。現場放映會不會產生新的變化？能否產生比當下樣態更真切，或與劇場觀演無差別的現場還原？甚至觀眾可以隔空直接“進入”現場？我們還無法預料。但我相信萬變不離其宗——只要人類還需要面對面交流，還需要直撲的呼吸和直視的眼神，現場藝術就不能缺失，現場放映的存在就會合理且必要。樣態的變化不會改變本質的訴求，現場性的核心目標，是不會撼動的。
近日，戲劇光影——2024北京國際高清舞臺藝術影像周在京舉行。活動為期兩周，以20場高清舞臺影像現場放映，提升這一藝術形態在觀眾中的知曉度和接受度；同時邀請中、英、美、韓等國家的一線從業者，開展多場演講和對談，梳理和分析舞臺藝術影像的藝術價值和制作傳播特質，匯聚行業前沿交流和反思。
回望2015年的北京，《人鼠之間》《李爾王》《科利奧蘭納斯》《弗蘭肯斯坦》等NTLive（英國國家劇院現場放映）作品組團亮相。隨后《深夜小狗離奇事件》《天窗》《女王召見》《奧賽羅》《哈姆雷特》等一系列佳作接踵而至。NTLive一時間成為戲劇觀眾的新寵——不僅有世界水準的主創和演員，新近原創和經典重排的劇作，還有不斷翻新的劇場理念和以影像藝術手段達成的仿佛走進現場看演出的真實感。
自此，以奧哲維文化等為代表的國內演藝機構，引進了更多高清舞臺藝術影像現場放映作品（以下簡稱現場放映），涵蓋英、法、德、俄、美、日、荷等多個國家的當代優秀舞臺作品，放映地點也從北京逐漸拓展到全國更多城市。
與此同時，國內的舞臺藝術影像，在《CCTV空中劇院》等戲曲錄制和播出的傳統積累之上，也有了新的發展。出現的作品如國家大劇院的自制和邀請劇目、北京人民藝術劇院和上海話劇藝術中心的話劇作品、各地方戲曲院團的戲曲劇目等，也包括本次影像周放映的文獻音樂劇場《輔德里》和音樂劇《在遠方》。
現場放映的興起，為戲劇觀眾和專業人士提供了更及時、便捷、廣闊的觀劇渠道和體驗，成為舞臺藝術傳播重要而獨特的方式之一。這一看似熟悉又新鮮的劇場藝術“物種”迅速鋪展的同時，也和其他新生事物一樣，曾面臨一些擔憂、質疑和爭議：現場放映與劇場演出是否會產生沖突？是否會給劇場演出帶來負面影響？當時的疑慮，必然亦正常，但隨著其十余年的發展，實踐給出了答案。
拍下真實的現場
還原現場的真實
首先，要從厘清現場放映的概念說起。
現場放映不同于以往的舞臺藝術電影。舞臺藝術類電影隨同電影的產生很快出現，比如中國第一部電影《定軍山》。電影史上，中外舞臺藝術電影不乏佳作，但其屬性主要遵循著電影創作的基本規律。除了一些以留存資料為目的的舞臺影像記錄，更多的是在攝影棚內模擬舞臺并使之電影場景化——以舞臺為表達元素，舞臺元素服從于電影需要，甚至為此改動原劇，以電影化視聽和節奏進行拍攝、剪輯。有的更是將舞臺想象具象化，加入大量虛擬動畫特效處理，追求意境的圖解。即便是純粹的舞臺影像紀錄片，也是以電影的藝術視角去展現舞臺作品，舞臺元素服從于拍攝安排和拍攝團隊的藝術理解，在鏡頭可能到達的任意角度自由透射，并且不需要保持被拍攝作品的現場整一性，不需要“一遍過”。
現場放映發展到今天，已經成為相對獨立的藝術品類。影視是它的存在形式，核心審美和內容則歸屬于劇場。它追求最大程度的真實還原，一切目的在于保持、凸顯和豐富劇目的現場性，尊重和彰顯舞臺藝術的審美。拍攝工作在劇場實地實時完成，呈現同一連續時空的舞臺表演，努力再現現場的真實環境、真實聽視覺效果和觀眾的即時反應。拍攝角度是現場觀眾的視角，盡管采用了近景和特寫等鏡頭手法。同時，不為影像需要而改變作品的內容、形態和節奏，后期不會采用影響舞臺現場感的手段，比如虛擬場景、瞬時空間切換、高速或慢速動作、回放和聲效渲染等。相反，使用后期技術的目的，是為減少影視手段介入帶來的某些變形，體現更細膩真實的現場感。數字技術的介入也同樣如此，如全景聲完全不是為了擬造電影的情境，而是盡量還原劇院的聲場。
當然，成熟的舞臺影像制作，在直播和一次性錄制完成后，為保證精準呈現，減少瑕疵，也會進行二次或多次錄制，但錄制的對象仍然是既定發生的真實的舞臺演出。
這樣做的意義，就是為了讓觀眾如親身“在場”——從進場落座到場燈熄滅幕啟開演，再到中場休息直至謝幕，觀演環節十分完整，氛圍和感受幾乎就是劇院現場的原汁原味，只是舞臺換成了大銀幕，現場放映的觀眾如同演出現場觀眾的鄰座。
現場真實，還有重要的一點是觀眾真實。被拍攝進影像的觀眾，是“正常”和隨機的。劇場會將拍攝安排預先告知觀眾，但不會為了錄播而特意篩選、組織觀眾捧場，不會有提前安排的互動效果，不會用過往素材“打補丁”或張冠李戴。因為只有觀眾真實，才能保存劇場藝術最為珍貴的觀演關系的真實，即觀演相互交融、彼此刺激推動的真實。
拍攝要懂得舞臺
但不能介入舞臺
但是，現場放映不是簡單的現場直播或錄播?，F場放映的影像保持舞臺的現場性，并不是兩種藝術簡單的組合拼貼。拍攝團隊要有清晰的劇場概念邏輯和審美認知，以及相輔相成的影視表達和操控解決辦法來支持；要掌握并尊重不同劇場類別和風格的屬性和特色；對于具體劇目，從編劇、導演到演員、舞美，甚至所在劇場和舞臺的構造規制，都要熟悉。除了觀演視角外，情節和人物行動的急緩，演員的形體、表情細節乃至呼吸，人物關系的對應和變化，矛盾與氣氛的張弛……現場觀眾所應看到的一切舞臺要素都要精確反映，必須讓銀幕節奏與舞臺節奏同頻合拍。
比如，我們過往看到成功的戲劇放映作品，從預案擬定到后期工作，都是舞臺導演、舞美等直接介入錄制的全過程，通過與影視導演、攝像、剪輯的充分討論，聯手落實到每個細節上。先有戲劇的消化理解，再談全方位影像呈現，從而保證拍攝導演個人的解讀視角、戲劇導演呈現的第一視角和觀眾觀演的視角達成高度統一，相生相長，揚長避短。
可見，現場放映的成功基礎，是劇目和攝制方達成雙向優選，適配的才是最好的。優秀的影視團隊，未必能產出優秀的現場放映作品；如不能熟諳劇場藝術的規律，不懂得劇目和主創、演員的特點，不能先化身為合格的劇場觀眾，即便擁有先進的設備和技術，也是枉然。
在以往的一些實踐中，有的舞臺藝術片提前錄音而后進行攝制合成，可以理解這么做的出發點是技術力不能及又期待達到完美效果；還有類似于戲曲音配像這樣出于歷史原因采取的珍貴資料的保存整理措施。但這些與現場放映顯然不在同一范疇。
鏡頭限定了舞臺
也延伸了舞臺
現場放映如此依存于劇場，致力于最大限度地還原劇場，但其實二者還是有差異的。必須承認，影視畫面的限定性，多少框定了觀演的自由度，觀眾在某個瞬間只能看到拍攝到的這一個畫面和角度；但同樣因為影視畫面的聚焦，也能帶來親身觀賞時得不到的新體驗。
視角即思路。拍攝方案（腳本）及拍攝主創的主觀意識，必然會帶來對舞臺作品的差異化解讀。多機位的拍攝，視角宛如坐在劇場的不同位置甚至現場觀眾不可能到達的特殊位置上；中近景、特寫的使用，放大了劇場觀演時不可能觀察到的細節。多維景象納入眼簾，給現場放映帶來了賞析延伸——有即時的引導，還有“養成性”的暗示，直接或潛移默化地影響受眾的觀演習慣和能力。
這方面，初級觀眾（觀演體驗不多者）的受益往往更大。比如戲曲類作品，現場放映通過不斷強調人物在特定情節和情緒中的程式化動作，提示觀眾注意和熟悉內容與形式的關聯。再如，對于人物行動和矛盾沖突中從起點到落點的線索，以及對手角色的相互反應和群演映襯，鏡頭畫面都直接給出交代。這對于觀眾來說是很好的啟發，在不斷累積中，欣賞水平也許就可以得到培養和成長。現場放映的這一藝術普及的優勢，加之經典劇目自身的品質示范，無疑特別適合做劇場藝術啟蒙的生動教材，是藝術進校園、進社區性價比極高的優選。
顯然，現場放映不僅滿足著既有劇場觀眾的需求，同時還吸引了更廣泛的受眾，間接培育著劇場藝術市場。它比駐場和巡回演出更便捷、成本更低，又規避了現場演出必須受諸多客觀條件限制的短板，讓更多人一窺更多元的劇場藝術之美。統計數據顯示，NTLive自2009年開啟以來，有近12％的觀映者轉化為長期的劇場觀眾，為世界戲劇普及與市場開拓做出了貢獻。
有人認為，劇場觀眾群體規模原本就不大，現場放映可能會造成觀眾流失。這種擔心有一定的道理，但劇場藝術區別于影視作品的一大特性，是觀眾大都不會因劇透而放棄觀劇，表演、導演的呈現方式和水準才是大家感興趣的焦點，優秀劇目往往會“愈演愈烈”。從實踐結果看，現場放映反而起到了宣傳劇目的積極作用。當然，個別劇目如有對劇透的擔心，可根據自身屬性做出是否制作影像的選擇即可。
看見不同的文化
留下最佳的呈現
數字時代的傳播速率拉近了全世界的時空距離，讓世界文化藝術的交流發展更加同步。現場放映應時而生。近幾年，無論是藝術的本土傳播，還是中國作品“走出去”、國際作品“引進來”，現場放映都及時跟進，發揮出比劇目本體傳播更強的時間和成本優勢。
及時快捷地掌握文化動態，全方位地了解世界藝術發展現狀，不僅是我們站上潮頭，推廣文化贏得市場的需要，也是藝術教育、學術研究和藝術守正創新的需要。藝術能生動鮮活地表達當下人們對世界的認知和探索，現場放映把國內外的佳作所代表的最新思維和理念及時落于具象，促進不同文化相互看見和相互理解。比如，文獻音樂劇場《輔德里》闡釋當代中國知識分子對共產主義信仰的理解，獨角戲《初步舉證》對位當下女性主義的思考和批判，《雷曼兄弟三部曲》展示金融風暴下人性的冷酷扭曲，莎翁經典《第十二夜》《威尼斯商人》的新解傳遞如何賦予傳統以當代警示，時事佳作《女王召見》《致英格蘭》鋪染英國獨特的歷史文化魅力，同時也是對普遍人性的書寫。
就劇場文化本身而言，現場放映還實現了優質劇場演出資料的積累。舞 臺演出不能保證每一個版本、每一場演出都是最佳陣容的最佳呈現，但現場放映卻可以將“最佳”存留。這份存留，對當下和未來的觀眾有益，對創作者、表演者和后來者有益，對劇場史的學術研究有益。據說，曾有戲曲大師在談到電影拍攝時，表達過因為沒有觀眾在場只面對鏡頭的不適應，找不到舞臺表演的感覺。而舞臺藝術影像放映的拍攝方式，很大程度上能彌補這樣的缺憾。
除了劇目本身蘊含的文化價值，現場放映中拍攝下的觀眾良好的觀演習慣和欣賞氛圍，也是一種文化的感染。同時，觀眾通過創作者的藝術理念和手段，解讀出社會文化背景、審美和文化消費走向，能實時達成對異域的感性體察和理性了解；藝術從業者可以通過較小的市場投放得到反饋，了解分析不同地域的受眾對不同形式和內容作品的接受度，有利于做出更準確的決策，防止盲目投入，減少文化盲動。
從熱愛出發
由市場檢驗
目前得到國內外觀眾擁躉的現場放映項目和作品，都做到了內容優秀、切中觀眾品位，以及觀看方式及時便捷?，F場放映未來的健康發展與前景，正在于保持高品質、現場性和符合藝術邏輯的傳播模式。這需要有藝術公心為支撐，也需要市場運作的能力，最終通過觀眾和市場檢驗成效。
從創作端來看，現場放映的出現和興起，建構在對劇場藝術的推崇、信任和熱愛上。這次參加北京國際高清舞臺藝術影像周的各國從業者，多位都表達了自己投身舞臺影像這份事業的緣起，是對舞臺藝術的熱愛或者是被某個作品深深觸動，從此認定要以這種方式傳播戲劇——“把更多好戲帶給更多人看到”。
此外，現場放映作品要體現出不可替代的價值，必須在藝術品質與潮流上領先，要充分考慮市場性、稀缺性和觀眾期待。
藝術傳播與廣告宣傳截然不同，雖然現場放映能起到劇目推廣的作用，但兩者的動機、目的和意義都大相徑庭。有的從業者看到現場放映的優勢，便急于將自己的作品投放其中，若缺少對現場放映核心價值的理解，不考慮受眾需求和市場反饋，即使模仿了樣態，實質上仍無法與現場放映的公共價值、藝術價值相提并論，且極易損傷現場放映這一藝術形態的整體口碑。這個道理，如同某些作品在劇場中一直上演，但不靠觀眾自覺購票贏得票房，而是贈票組織觀眾撐場面——它一定不是真正的劇場藝術，而是借助于劇場形式開展的其他活動。
當下AI技術風起云涌，也給現場放映的未來帶來更多遐想?，F場放映會不會產生新的變化？能否產生比當下樣態更真切，或與劇場觀演無差別的現場還原？甚至觀眾可以隔空直接“進入”現場？我們還無法預料。但我相信萬變不離其宗——只要人類還需要面對面交流，還需要直撲的呼吸和直視的眼神，現場藝術就不能缺失，現場放映的存在就會合理且必要。樣態的變化不會改變本質的訴求，現場性的核心目標，是不會撼動的。
本文鏈接：現場放映：無限逼近真實讓“替代”無可替代http://m.sq15.cn/show-6-10863-0.html
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